Resenha: Ra Ra Riot - Need Your Ligth

O quarto disco de inéditas da banda norte-americana Ra Ra Riot chegou esse ano, em meados de Fevereiro. Intitulado "Need Your Ligth", o novo registro mantém os mesmos sintetizadores presentes no álbum antecessor, "Beta Love" (2013), mesclando com os arranjos orquestrais e melódicos testados desde o primeiro registro. A banda traz um catálogo assertivo de boas canções pop que têm os anos 1980 como referência para sua criação, embora transitem em uma zona de conforto.

Em "Need Your Ligth", nomes como Rostam Batmanglij, integrante da banda Vampire Weekend e um dos responsáveis pela produção do último disco da cantora Carl Rae Japson, aparecem como um dos produtores dessa nova safra de canções. Ao lado dele, o Ra Ra Riot cria um registro com faixas dançantes, de versos repetitivos e grudentos, típicos da música pop, e, ainda, incorpora uma pegada mais ousada do rock. E eles conseguem ser coerentes com essa proposta do começo ao fim do disco, longe de repetir a execução falha em flertar com o R&B em seu terceiro álbum, "Beta Love" (2013).

Ao usar os anos 1980 como base criativa, a banda traz uma leve sensação nostálgica nesse novo registro, buscando as sonoridades oitentistas como elementos para incorporar as dez faixas que formam o álbum, e não uma proposta de soar retrô, como em "Pool" (2016), recente disco da banda Porches, que resgata todo o universo da New Wave e do synthpop dos anos 80. Por aqui, o ouvinte se depara com os sintetizadores e toda a levada pop despretensiosa testados por Madonna e Cindy Lauper na ótima faixa de encerramento "Sucker", "Call Me Out" segue com a pegada rock oitentista e "Bouncy Castle" inclinasse para o R&B daquela época. Além disso, "Foreign Lovers", terceira faixa do disco, brinca com toda a energia e riffs de guitarra que aquecem as canções de indie-rock produzidas no início dos anos 2000. É, assim, que o Ra Ra Riot sustenta o seu novo álbum, abrindo-o com a acanhada "Water" para em seguida, a partir da contagiante "Absotulety", mergulhar o ouvinte em seu universo pop, de sintetizadores tão presentes, de riffs desenvoltos que dão um colorido maior aos arranjos e de refrães chicletes, transitando pela sonoridade dos anos 80, mas mantendo-se fiel ao som produzido pela banda desde os primeiros registros. 

Porém, ainda que em seu quarto álbum o Ra Ra Riot tenha construído um bom trabalho, a banda peca na previsibilidade. O disco repete a mesma fórmula de canções pop dos trabalhos anteriores. Ao ouvir as dez faixas, o ouvinte sente uma certa conformidade do quinteto em produzir seu novo catálogo, evitando testar novos experimentos a fim de não comprometer a qualidade do disco. A cada faixa que se segue a sensação é de algo já esperado, que não surpreende. 

Seria injusto dizer que em "Need Your Ligth" o Ra Ra Riot tenha feito mais do mesmo, embora presos em suas fórmulas certeiras, para evitar deslizes. Nesse registro, os norte-americanos repaginam todo o seu universo pop já conhecido pelo público com o que há de melhor da década de 80, trazendo um frescor e pontadas de nostalgia. É um álbum interessante, de um pop simples e sem exageros, no qual os sintetizadores prendem a atenção do ouvinte e as guitarras convidam-no para dançar. 

Nota: 7
Gravadora: Barsuk
Faixas: 10
Ouça: Youtube - Spotify

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Degustando Sonoridades: Preciosas, bonitas e guerreiras. Conheça as Pearls Negras

Pearls Negras é um trio de rap do morro do Vidigal (Rio de Janeiro) formado por Alice Coelho, de 17 anos, Mariana Feitosa e Jennifer Loiola, ambas de 16. Há cinco anos as garotas entraram no projeto "Nós do Morro" que desde 1986 oferece a jovens cursos de arte, teatro, cinema e música. Sobre a tutela de Jeckie Brown, rapper e produtora das garotas, as meninas tiveram aulas de rimas, começando a carreira artística e hoje, explodindo no mundo.

Descobertas pelo produtor inglês David Alexander numa apresentação de sarau no morro do Alemão, as garotas tiveram a oportunidade de lançar sua primeira Mixtape assinada pelo selo inglês Bolabo Records. Todas as músicas produzidas por David e as rimas de autoria própria das garotas falam sobre os ácidos deboches para as más línguas, a vida e dificuldades enfrentadas no morro, relacionamentos e até fazem algumas críticas sociais.

Na Mixtape intitulada Biggie Apple, as Pearls Negras jogam suas rimas em cima de músicas que andam pelo cenário eletrônico, pelo trap, o r&b, com algumas pitadas de funk carioca e regado a boas doses de pop. A faixa-título "Biggie Apple" abre o catálogo de músicas, que compreende 7 faixas, exaltando o poder do trio e mostrando o "rap de saia", seguida por "O Futuro" complementando ainda mais a exaltação, as garotas querem comprovar o talento feminino nas rimas e acabar com as criticas sexistas. "Make It Last" é faixa mais pop e dançante do registro, arriscando no inglês e trazendo um som com referências da disco music, o trio enaltece o amor pelo morro do Vidigal.

"Pensando em Você" (uma das faixas mais bem produzidas da Mixtape) foi escolhida para divulgar o trio. Com um clip gravado no morro do Vidigal e contendo a participação de alguns moradores, as garotas ficaram rapidamente famosas na internet e sendo comparadas até as Destiny's Child. Pearls Negras também foram muito bem elogiadas por diversos sites americanos e europeus que demonstraram empolgação com o trabalho das meninas.

O trio já colheu bons frutos. Desdo lançamento de sua Mixtape no começo do ano, já foram mais de 400 mil visualizações no youtube, as garotas já fizeram show em São Paulo e esse mês saem em um tour pela Europa. Também foram convidadas para participar do álbum-visual da Pepsi para a copa do mundo e estrelaram no novo comercial da C&A para o dia dos namorados.

Com influências que vão desde Karol Conka e Flora Matos, Pearls Negras mostram personalidade, talento, energia e muita garra. Vieram para mostrar a voz do morro e derrubar as barreiras machistas ainda presentes no rap. É um simbolo da arte das favelas e das classes menos favorecidas, dois cenários sociais que sofrem pelo preconceito elitista disseminado no nosso país. Por mais que o funk carioca, o tecnobrega do Pará e outros gêneros de camadas mais baixas sejam taxados  de anomalias musicais por muitos brasileiros, lá fora, como na Europa e Estados Unidos, esses gêneros são referências para diversos artistas que procuram explorá-los e expressá-los em seus trabalhos e, que por sinal, são muito bem elogiados e recebidos pela crítica especializada.

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Receita: As 10 Melhores Músicas de 2018

No ano marcado por discursos e atos de ódio devido às eleições, a música brasileira mostrou-se num lado totalmente oposto. Sempre usada ao longo dos anos como uma arma contra-hegemônica, em 2018 não foi diferente e muitos artistas usaram do seu espaço neste mercado para dar voz a grupos marginalizados ou expressar suas experiências como minorias. Além disso, novos nomes surgiram e mostraram força e renovação na música brasileira, casos de Duda Beat, Malli e a banda catarinense Adorável Clichê. 

A música internacional também não ficou para trás, ao apresentar para o público um acervo cada vez mais inventivo. Em meio a crise das divas pop, o R&B tomou espaço e destacou-se por seu amadurecimento, trabalhos lançados por Kali Uchis, Janelle Monáe e Jorja Simth são pequenas amostras da evolução do gênero. O oriente também destacou-se mais uma vez com a consolidação dos grupos de K-pop no mercado americano, BTS e BLACKPINK foram os grandes nomes de 2018, porém, para quem acompanha o pop asiático, sabe que há outros ótimos lançamentos que não tiveram tanto destaque para o mercado fonográfico do ocidente. 

É em meio a essa mistura de sonoridades que listamos as 10 melhores música de 2018, indo do pop asiático, ao cenário independe internacional e ao som produzido aqui no Brasil. 

10. "Pluhmm" - HA: TFELT  

                                           

HA: TFELT, nome do projeto da sul-coreana Yenny, vem mostrando bons registros desde o seu debut como EP ME? (2014). Mas foi no ano passado que a cantora surpreendeu a crítica coreana com o digital single MEiNE ("Meu" em alemão). O feito novamente se repetiu com o lançamento do registro seguinte, intitulado Deine ("Seu" em alemão) e "Pluhmm", single de divulgação, é um dos principais motivos para isso. Um das melhores composições da sul-coreana até agora, Pluhmm é a uma canção que combina pinceladas de bossa-nova, guitarras ensolaradas, dudstep e outros elementos eletrônicos. Uma mistura em aquarela de gêneros que parecem naturalmente não dialogar entre si, mas que HA: TFELT consegue assertivamente comprovar o contrário.   

9. "Traços" - Adorável Clichê 

Os catarinenses da Adorável Clichê lançaram o primeiro álbum de inéditas neste ano e acertaram em cheio ao retratarem os conflitos da transição entre a adolescência e a vida adulta de forma sincera e madura. "Traços", uma das composições escolhidas para divulgar o álbum O Que Existe Dentro de Mim, é um gostoso dream pop com riffs de guitarra desalentados, vocais ecoantes e uma atmosfera anuviada. Um sonho lúcido sobre a passagem do tempo e a inércia em querer rememorar o passado. 

8. "Azul Moderno" - Luiza Lian

As despedidas e os fins das relações amorosas nunca são fáceis, mas, em “Azul Moderno”, Luiza Lian narra a decisão de seguir caminhos paralelos ao romper com um antigo amor. Numa costura de ruídos, pequenas transições eletrônicas e arranjos de corda, a cantora vai lentamente preenchendo o silencio dos minutos iniciais com metais, uma percussão dosada e a poesia do eu-lírico.  

7. "Bédi Beat" - DUDA BEAT

 

A pernambucana DUDA BEAT com certeza foi uma das melhores revelações de 2018. Com seu álbum de estreia "Sinto Muito", a cantora conquistou rapidamente o coração do público por suas composições marcadas pela sofrência romântica. "Bédi Beat" narra as dores que DUDA passou por um amor descompromissado, mas longe de soar piegas ou melancólico. A cantora, na canção, brinca com ritmos e recursos como o brega, sintetizadores, sons eletrônicos, que surgem a cada segundo como colagens, e um grave sedutor que se fixa no plano de fundo da canção do começo ao fim. 

6. "Genesis" - Daniela Andrade

Conhecida por seus covers de canções famosas no YouTube, como "La Vie En Rose" de Edith Piaf; "Take Care" do Beach House; e "Stay" da Rihanna; Daniela Andrade retornou neste ano com composições autorais. O último registro de inéditas da cantora foi o EP Shore (2016). Em "Genesis", Andrade entrega um trabalho que foge do repertório acústico e brinca com as batidas e a atmosfera do Chillhop. Com beats desacelerados e um sintetizador que preenche as lacunas da canção, a canadense entrega parte dos versos do single para um backvocal, deixando apenas seus vocais surgirem no refrão.

5. "love4eva (feat. Grimes) - LOONA
  

Enquanto o ocidente era bombardeado pelos hits de grupos de K-pop como BTS e BLACKPINK, na Coréia do Sul surge um dos grupos mais interessantes dessa nova safra do pop oriental. LOONA é um grupo composto por 12 integrantes em que cada uma delas lançou singles antes mesmo do debut oficial. Além disso, o grupo criou um mundo fictício onde as integrantes possuem suas próprias histórias e conflitos e os clips lançados dialogam narrativamente entre-se, motivo que leva os fãs a criarem teorias a cada novo lançamento do girlgroup, quase como um Game of Thrones do Kpop.

Em “love4eva” o grupo entrega uma das parcerias mais excêntricas do K-pop. Grimes produziu para o LOONA uma canção synth-soft do que entregou em Art Angels (2015). Com beats e sintetizadores frenéticos, a canção explode com os recursos eletrônicos e o pop chiclete, como se Grimes propositalmente tivesse deslizado o dedo em algum botão no processo de mixagem para deixar a canção mais acelerada. 

4. "Amor Distrai (Durin)" - Carne Doce

Carne Doce lançou neste ano um dos álbuns mais introspectivos da carreira. Recheado de composições que retratam as experiências do eu-lírico, o ouvinte quase se perde em meio a tantas referências particulares. Porém, em "Amor Distrai (Durin)", a banda explora de forma explícita e poética o sexo, o que fisga o ouvinte na primeira audição pelos versos lascivos e um arranjo menos introvertido em comparação as outras canções do disco. Selma Jô (vocalista) descreve as particularidades e ações que tornam a relação sexual mais prazerosa para ela, entregando elementos para uma construção visual dos versos entoados.   

3. "Cariño" - The Marías 

 

Os novatos do The Marías, composta pelo Josh Conway e María, debutaram ano passado com o EP Superclean Vol. I. Neste ano, deram continuidade ao trabalho com o volume II do EP. “Cariño”, canção escolhida para apresentar no novo trabalho, é a mistura perfeita de um indie-rock sofisticado, com riffs climáticos e arranjos de metais que resgatam a sonoridade de ritmos latinos do século passado. A banda apresenta uma canção levemente psicodélica na qual os vocais lascivos de María entoam versos confessionais sobre um amor platônico. 

2. "Summer Lover" - YMA & GAB

 

A parceria entre as brasileiras YMA e Gab Ferreira rendeu um dos melhores singles deste ano. Adotando uma estética retrô, as cantoras apresentam uma canção que fisga o ouvinte na primeira audição. Guitarras ensolaradas, sintetizadores acanhados e vocais desalentados fazem de “Summer Lover” uma composição melancolicamente prazerosa. 

1. After The Storm (feat. Tyler The Creator & Bootsy Collins)" - Kali Uchis

 “After The Storm” foi a canção chave do Isolation para Kali Uchis torna-se motivo de atenção para além do público que já a conhecia desde o EP Por Vida (2015). Acompanhada pelo rapper Tyler The Creator e por Bootsy Collins, a colombiana constrói um soul desacelerado, de guitarras hipnóticas e distantes, um baixo bem destacado e um série de elementos que dão uma atmosfera empoeirada a faixa.

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Resenha: Michael Jackson - Xscape

Nessa última quarta feira (25/06), a morte do rei do pop Michael Jackson completou cinco anos. Com diversas homenagens em sites, redes sociais e no mundo todo, resolvi fazer a minha singela homenagem com uma resenha do segundo álbum póstumo do cantor, "Xscape", lançado no dia 9 de Maio (Antes mesmo de eu ter criado o blog). "Xscape" foi lançado pelo gravadora Epic e traz como produtores John McClain, Jerome Harmon, Rodney Jerkins, Stargate e famoso Timbaland. E tendo como produtor executivo e supervisor de produção L.A. Reid, conhecido por trabalhar com Mariah Carey, Rihanna, Usher e entre outros. 

L.A. Reid teve acesso a todo o arquivo de músicas descartadas pelo rei do pop e escolheu oito faixas, produzidas em diversos momentos do cantor, para trabalhar. Junto com os outros produtores, ele começou a produzir o disco a partir de uma linha de pensamento: "O que o Michael Jackson faria atualmente?". Com essa ideia, deu partida a toda a etapa de contemporização das demos, mantendo toda a essência artístico de Michael presente nas faixas e incorporando o que há de mais atual na música pop. 

"Love Never Felt So Good" abre o disco com sua introdução solene e em seguida é rechiada por batidas dançantes do funk, mantendo um singelo destaque para o piano, também presente na versão original, e recheada por violinos e riffs de guitarra empolgantes e cheios de ritmo. Na versão deluxe a canção recebe um brilho a mais com uma guitarra mais presente, instrumentos de sopro, com batidas mais fortes do funk, permitindo a música soar mais dançante, e com Michael dividindo os vocais com Justin Timberlake, um dos cantores mais influenciados pelo o rei do pop atualmente.

A primeira faixa é a mais orgânica do disco, o qual segue trazendo canções com uma presença marcante de sintetizadores. "Chicago" deixa de lado as batidas funk e vem trazendo as influências do hip-hop, embaladas por camadas sintéticas que preenchem toda a faixa e vocais rasgados no refrão. "Loving You", uma gostosa baladinha, consegue manter um certo tom nostálgico e até maneira um pouco nos sintetizadores, trazendo a sonoridade R&B já conhecida no trabalho do cantor e com certeza é uma das faixas mais agradáveis do disco ao lado de "Love Never Felt So Good".

O segundo álbum póstumo de Michael segue com uma maior ênfase nos recursos eletrônicos. "A Place With No Name" e "Slave to the Rhythm" são as que mais abusam desses recursos. A primeira soa muito diferente de sua versão original que possui uma pegada mais country. Já a segunda traz novamente as batidas de funk, presentes na primeira faixa do disco. "Do You Know Where You Children Are" vem com uma roupagem sintética lembrando bastante as músicas mais atuais do genêro synthpop, com uma pegada mais agressiva, lembrando eras posteriores como "Bad", um solo de guitarra distorcido e até os icônicos gritinhos de Michael. Tudo isso consegue transmitir uma sensação de revolta que cai muito bem com a composição da canção, retratando a exploração sexual infantil.

Por mais que o uso de sintetizadores seja um ponto positivo, ao longo da audição, ele também se torna um ponto negativo. As roupagens exageram um pouco na utilização desses recursos, deixando os instrumentos orgânicos das versões originais quase ofuscados e às vezes sufocando o próprio vocal de Michael. No começo soam agradáveis, mas a medida que o disco vai progredido se tornam massantes. Bem, não quer dizer que as músicas já faladas até aqui sejam ruins, não. "Love Never Felt So Good" e "Loving You" são as mais assertivas e as melhores do disco, todavia, a forte presença desses recursos nas canções, que compreendem desde "Chicago" até "Xscape", vão tornando as seguintes mais desgastantes. "A Place With no Name" e "Slave to the Rhythm" poderiam soar bem melhor se não fosse o abuso nos sintetizadores. A versões originais dessas duas faixas com certeza são bem melhores. Tudo isso intensifica a finalização negativa do registro. "Blue Gangsta" e "Xscape", faixas que finalizam o álbum, são as mais desinteressantes do disco em relação ao resto do catálogo de canções, soam quase imperceptíveis e sem sombra de dúvida que o exagero nos arranjos eletrônicos deram uma mãozinha para isso.

Entre acertos e erros, "Xscape" consegue fechar sendo um bom álbum. L.A. Reid, Timbaland e os outros produtores trouxeram o melhor que já conhecemos de Michael, sejam nos remetendo as eras mais dançantes de singles como "Rock With You" e "Don't Stop Til You Get Enough" em "Love Never Felt So Good", na era mais agressiva, presente no disco "Bad", em "Do You Know Where You Children", ou nas baladinhas R&B, como "Human Nature", em "Loving You" e, claro, temperando tudo isso com estilos mais atuais. Uma tentativa de lucrar em cima do legado de um dos maiores artistas da música ou não, o disco é ótimo para os fãs e admiradores veteranos se relembrarem de antigos registros de Michael e até imaginarem que rumo o artista tomaria em tempos atuais ou para aproximar um público mais jovial ao trabalho desse grande e icônico artista, o qual revolucionou diversos setores da arte e é considerado o rei do pop, o nosso Michael Jackson.

Uma dica minha para finalizar: Ouça a versão deluxe, onde você encontrará todas as versões demos das músicas trabalhadas no disco e mais a versão de "Love Never Felt So Goo" em parceira com Justin Timberlake. 

Gravadora: Epic Records
Nota: 7.5
Faixas: 8 e 17 (Deluxe)
Ouça: Spotify, Deezer

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Resenha: Rihanna - ANTI

Após três anos de hiato, a cantora Rihanna finalmente lança o seu tão aguardado disco de inéditas intitulado "Anti", oitavo disco de sua carreira. Antecedido pelo decepcionante "Talk That Talk" (2011) e o regular "Unapologetic" (2012), discos que se sustentam em batidões eletrônicos da EDM e pelo Dubstep, proporcionando aos fãs e admiradores da cantora uma enxurrada de hits pop explosivos que dominaram os charts e as pistas de dança do mundo inteiro. Entretanto, em "Anti", a cantora se desprende dessa zona de conforto que há tempos vem se firmando, buscando um trabalho que não se resuma apenas ao um catálogo de músicas pop avulsas com o exclusivo propósito de estourar nas rádios e paradas de sucesso, mas um registro coeso, que fuja da previsibilidade e apresente composições verdadeiras e mais profundas. 

Não espere por refrões pegajosos, batidões eletrônicos ou qualquer dos elementos comerciais tão presentes nos registros anteriores de Rihanna. "Anti" é uma completa ruptura com tudo isso, como o próprio nome já diz. Aqui a cantora de Barbados e seus produtores apresentam um catálogo ousado, que arrisca em experimentar fórmulas diferentes e sonoridades quase exóticas para quem a  acompanha desde "Good Girl Gone Bad" (2007). São 13 faixas que mantém o Hip-Hop e o R&B característico de Rihanna, mas embrulhados em propostas diferentes a cada faixa, seja na pegada mais robusta em "Consideration" ou na lentidão em "Yeah, I Said It".

Contudo, um dos pontos fortes desse disco fica para as composições, que fogem da superficialidade e da trivialidade presentes em seus registros anteriores. Rihanna preenche seu novo catálogo de inéditas com fragmentos de sentimentos e confissões controversas, que embalam o disco em um misto de algo sombrio, sensível e sexual. Enquanto em "Needed Me" a cantora aborda sobre autonomia que tem sobre seu corpo e fala abertamente de sua vida sexual, em "Love On The Brain" Rihanna confessa estar um relacionamento abusivo, mostrando sua fragilidade.

Mas nem tudo são flores nesse novo disco. Apesar de sua disposição em criar algo diferente e enriquecido, Rihanna ainda comete alguns tropeços, o que causa uma certa decepção. A primeira parte do disco começa assertiva, como a já falada "Consideration", parceria com SZA, seguido pela sintética "James Joint" e finalizando com ousada "Kiss It Better", uma canção que se alimenta das mesmas batidas presentes em singles como "Pour It Up", mas acompanhadas por riffs tortuosos de guitarra. Todavia, "Work", parceria com Drake, mostra que a cantora ainda precisa de muito para construir um produto criativo. A canção tem seus momentos iniciais empolgantes, mas, ao decorrer de seus 3 minutos e 39 segundos, não desenvolve, continua em uma preguiçosa repetição de batidas e versos. O que poderia ser uma boa oportunidade de entregar ao público uma dose a mais de Rihanna e Drake, que já vimos na ótima "What's My Name?", numa versão bem mais ousada e trabalhada, torna-se um faixa morna que mais serve de tapa buraco nesse disco. Além de "Work", "Yeah, I Said It" comete o mesmo erro. Toda a lentidão da melodia e a atmosfera quase anuviada são mal exploradas, seguindo numa linearidade sem desenvolvimento e insípida, tornando-se uma canção desinteressante, longe de se enquadrar com a letargia tão bem trabalhada em "Z" (2014) da SZA. E o que dizer da faixa "Same Ol Mistakes"? Um cover da canção  "New Person, Some Old Mistakes" da banda de rock psicodélico Tame Impala. Com certeza, é a faixa mais confusa do disco, pois além de fugir da sonoridade presente em "Anti", não há nada de novo no arranjo, é o mesmo da canção original. Para quem esperava uma versão excitante e diferente, bem ao estilo Rihanna, para a canção do Tame Impala, acabou ouvindo mais do mesmo.   

Entretanto, é nos minutos finais que "Anti" consegue surpreender. São os momentos mais sensíveis e frágeis do disco. "Love On The Brain" resgata a atmosfera da black music das décadas de 50 e 60, enquanto "Higher", com samples de "Beside You" do grupo instrumental de Jazz e Soul The Soulful Strings, traz um melancólico violino. São faixas onde Rihanna expõem toda sua fragilidade, seja pela confissão dos abusos sofridos ou por uma declaração de amor desesperada e chapada. Aqui, ela se encontra em desespero, ébria e com os sentimentos à flor da pele, mergulhada em uma melancolia quase palpável, sensações muito bem transmitidas por seus vocais, que reafirmam o talento vocal da cantora. "Close To You" é outro destaque desta parte final, fechando o disco com a mesma melancolia e sentimentalismo das faixas anteriores, mas de uma forma sóbria e mais introspectiva.

Em seu novo disco, Rihanna foi em busca de algo mais original, coeso e profundo, numa tentativa de se soltar das amarras do mercado musical, que impõe, para seus artistas, uma série de fórmulas repetitivas e sem originalidade, mas assertivas para os charts e rádios. "Anti" está longe de se enquadrar como um produto coeso e assertivo, como obras de outros grandes nomes da música pop como "4" (2011) e "Beyoncé" (2013) da cantora Beyoncé ou como "Emotion" (2015) de Carly Rae Jepsen. Há tropeços que fazem o álbum  soar como uma obra mal acabada, lançada às pressas para acalmar a ansiedade do fãs que já esperavam por algo novo há muito tempo. Entretanto, ao todo, o oitavo disco de Rihanna não se enquadra em algo preguiçoso ou cômodo, mas em uma transição lenta de uma artista que, aos poucos, abre seus olhos para uma gama de novas possibilidades e fórmulas que pode testar, permitindo-se conhecer ainda mais o seu lado artístico para transmitir isso ao público, através de seus trabalhos, de uma forma sincera. "Anti" é o desabrochar de Rihanna para sua autonomia artística, na busca de obras que dialoguem com seus próprios sentimentos e anseios e não mais para alimentar o grande mercado da música pop e as paradas de sucesso.

Nota: 6.5
Gravadora: Roc Nation
Faixas: 13
Ouça: Deezer - Spotify

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Resenha: Tulipa Ruiz - Dancê

Em seu primeiro álbum de estúdio, "Efêmera"(2010), Tulipa Ruiz nos mostrou o seu pop florestal, que viaja entre uma atmosfera bucólica e uma calmaria típica do interior. Nele, as faixas são carregadas por uma suavidade monótona, daquelas que sentimos nos finais da tarde, como na faixa título "Efêmera", ou dando contornos mais melancólicos, como em "Do Amor" e "Sushi". Por outro lado, mesmo com essa atmosfera suave, o primeiro disco de Tulipa ainda traz faixas com um tom mais energético, como em "Brocal Dourado", e até brinca com sinterizadores em "Pedrinho".

Por sua vez, "Tudo Tanto"(2012), segundo álbum de estúdio de Tulipa, adiciona elementos mais urbanos, deixando o pop florestal de lado. O segundo registro é mais pop, com versos grudentos, como em "É", e refrões mais acelerados, como em "Dois Cafés". Embora "Tudo Tanto" ainda apresente canções mais suaves, como "Ok" e "Desinibida", a novidade aqui são os arranjos mais dançantes que incorporam elementos do groove e do funk norte-americano.

Agora "Dancê", terceiro álbum de estúdio de Tulipa Ruiz, lançado mês passado, é o novo trunfo da cantora. O disco é embalado por um vibe das discotecas dos anos 80 e , dessa vez, dando um destaque maior ao funk americano e a outras sonoridades retrô. Aqui, os arranjos dançantes fazem qualquer um se agitar, com riffs de guitarra cheios de ritmo, versos grudentos e, além disso, instrumentos de sopro que incrementam muito bem os arranjos de cada faixa.

"Prumo" e "Proporcional", primeiras faixas do disco, não perdem tempo e inserem instantaneamente o ouvinte no universo empolgante de "Dancê". Tais faixas já apresentam as notórias influências e elementos retrô dos gêneros norte-americanos que embalaram muita gente nas décadas de 70 e 80, como o funk, e que vão permear boa parte do disco. Além disso, os elementos norte-americanos dividem espaços com os brasileiros, "Tatefá", terceira faixa do disco, parece serpentear por uma sonoridade mais aproximada da nossa bossa-nova, dando um toque refinado ao registro.

O terceiro registro, produzido ao lado de seu irmão Gustavo Ruiz, segue com uma colagem de sonoridades. "Expirou", sexta faixa do disco, brinca com ritmos regionais, trazendo uma guitarra acentuada, um baixo bem destacado e uma percussão em segundo plano. "Virou", por sua vez, consegue ser viciante desde sua primeira audição, com uma letra grudenta e versos românticos, a faixa traz gostosos riffs de guitarras, que criam uma atmosfera praiana e ensolarada, e finaliza desembocando em uma percussão frenética. Contudo, é "Físico" a responsável por um dos momentos mais dançantes do álbum; o flerte com o r&b, a energia do baixo, o sintetizador acanhado e os versos repetitivos, "tudo que eu gosto tá em você/ é puramente físico", são elementos que fazem a faixa mergulhar nas canções pop retrô, como a disco music. Assim, com boas doses de música pop, Tulipa Ruiz apresenta um catálogo viciante, criando no ouvinte a gula por ouvir cada faixa seguinte e dançar sem medo de ser feliz.

Nessa colagem de sonoridades, o desejo de Ruiz por produzir algo mais agitado e pronto para ser trilha sonora das pistas de dança se torna mais concreto, embora é possível observar os primeiros passos dados por ela em adentrar nesse universo em seu segundo álbum. Por isso, é correto afirmar que "Dancê" não seja uma ruptura repentina como o que a cantora já havia apresentado nos registros anteriores, ainda é possível notar semelhanças com os outros dois primeiros trabalhos de sua discografia, principalmente, com "Tudo Tanto".

Por fim, e relembrando os momentos suaves de "Efêmera", o disco finaliza com a melancólica "Oldboy", onde a cantora divide espaço com um saxofone ébrio e reafirma o toque refinado do disco presente desde "Tatefá". "Algo Maior", última faixa, retoma o aspecto teatral que a interprete já apresentou em "Tudo Tanto" e que, também, é muito presente em suas apresentações ao vivo.

Como já havia dito, "Dancê" não soa como uma ruptura brusca com os álbuns anteriores de Tulipa Ruiz. Além de reciclar elementos já trabalhados em seus registros passados, o terceiro disco da cantora parece continuar uma linearidade presente na sua discografia, começando pelo bucólico e manso "Efêmera", seguido pelo urbano "Tudo Tanto", que ainda flerta, em alguns faixas, com a mansidão do primeiro disco, mas já insere arranjos dançantes e acelerados, e, por fim, "Dancê", que abdica totalmente do pop florestal e mergulha em um universo dançante e mais pop, que já vem desabrochando desdo segundo registro. 

Elegante, refinado, envolvente, cheio de energia, objetivo e pronto para botar todo mundo para dançar, é assim que "Dancê" pode se enquadrar - até rimou hahaha -. Tulipa Ruiz, ao lado de seu irmão Gustavo Ruiz, produziu um dos discos mais legais, divertidos e viciantes do ano até agora, caminhando por uma série de referências, ritmos e sonoridades que foram muito bem executados, fruto da versatilidade da cantora e do talento do irmão. Com certeza, você vai ver esse disco nas listas dos melhores do ano em sites e blogs especializados e, claro, isso é merecido. Os dois anos de hiato de Tulipa Ruiz - onde meu desespero por um álbum novo dela só aumentava - realmente valeram a pena. 

Gravadora: Pommelo Produções

Nota: 8.5

Faixas: 11

Ouça: Deezer, Spotify,  Tulipa Ruiz (Oficial)

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Resenha: Young Now - Miley Cyrus

Muitas das criticas a respeito do novo álbum da cantora norte-americana Miley Cyrus vão além de uma simples análise das canções que o compõe. Em "Young Now", para os críticos e boa parte do público, a nova imagem de Cyrus também é um elemento que se deve levar em consideração no momento da audição. E, para isso, há um motivo.

Ao longo da carreira, a norte-americana vem alimentando uma série de facetas. Começando pela inocente Hannah Motana e, em seguida, pela polêmica boba entre a verdadeira identidade da personagem, logo quando ela começou a lançar trabalhos assinados com seu verdadeiro nome artístico. Mas durante essa transição pouca coisa afetou na sonoridade e até mesmo no conceito dos registros lançados por ela. Contudo, o sucesso de "Party In The USA" nos charts provocou mudanças na cantora. Até então o público de Miley não era de uma faixa etária que a garantia emplacar hits no topo das principais paradas de sucesso e, no momento que seus singles começaram a alcançar boas posições nas Billboard, a cantora partiu para uma fase de amadurecimento, tanto em suas canções quanto na sua imagem. 

A partir daí, Miley inicia uma fase mais "adultizada"', com singles e clips extremamente provocativos, conceitos um tanto quando apelativos e que nada lembravam a artista de antes. "Can't Be Tamed" (2009) foi o ponto de partida para essa transição, embora não tenha tido tanto êxito comercialmente. Porém, "Bangerz" (2013), disco que flerta com os gêneros mais consumidos nos Estados Unidos, o R&B e o Hip-Hop, alimentado por uma série de polêmicas da cantora, garantiram a Miley o que ela havia visado: o topo dos mais importantes charts musicais e hits mundias. 

Todavia, "Young Now" rompe bruscamente com a imagem construída nesses dois registros e traz um catálogo de canções que dispensam sintetizadores, batidas de hip-hop, letras de duplo sentido e vocais adornados por efeitos sintéticos; recursos que alimentam boa parte da música pop mainstream. São canções mais cruas e enxutas, em que riffs de guitarra e as cordas do violão são os principais instrumentos que dão corpo aos arranjos, dando espaço para que os vocais de Miley ganhem destaque. 

Além disso, a cantora aposta no flerte com o country, mas longe de repetir o country moderninho de Taylor Swift ou de Carrie Underwood. Aqui, Miley prefere buscar referências em artistas mais old school, caso da faixa "Rainbowland", parceria com a veterana Dolly Parton. 

Ainda que apresente uma nova proposta, a cantora nada surpreende nas 11 faixas do disco. Embora Malibu e Young Now abram o disco assertivamente, Miley derrapa em baladinhas mornas, insípidas e que não conseguem transmitir a devida emoção. "Miss You So Much" e "I Would Die For You" são exemplos de composições de arranjos repetitivos e que pouco crescem, tornando-as facilmente esquecíveis. "Bad Mood" e "Love Someone" seguem no mesmo erro.

Por outro lado, há momentos em que a audição se torna prazerosa. Faixas como "Week Without You" e "Thinkin" rompem com a monotonia do catálogo e trazem guitarras mais encorpadas, versos pegajosos e uma Miley que parece tentar ousar um pouco com a nova proposta, porém, e infelizmente, isso não se repete nas faixas restantes.  

Em uma época conflituosa para o pop mainstream, onde hitmakers não conseguem mais um desempenho comercial satisfatório para seus singles e recorrem para uma mudança sonora em seus trabalhos, Miley Cyrus, com "Young Now", parece pouco se importar com isso. Na verdade, o novo trabalho soa como uma iniciativa da própria cantora e não para continuar estável nos charts. Contudo, o que se pode esperar de "Young Now" ao ouvi-lo é um catálogo de canções esquecíveis, já outras chegam a aguçar a curiosidade do ouvinte, mas de forma efêmera. No geral, o disco acaba tornando-se um registro aleatório em meio a uma discografia confusa de uma artista de personalidade mutável. 

Nota: 5.5

Gravadora: RCA Records

Faixas: 11

 

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Resenha: The Ride - Nelly Furtado

Nelly Furtado com certeza é uma das cantoras mais versáteis do cenário pop. Em "Whoa, Nelly!" (2000), trabalho de estreia da luso-canadense, há uma forte presença do R&B e do Soul, já no segundo trabalho, "Folklore" (2003), Nelly decide mergulhar nas raízes musicais do país em que nasceu, Portugual. Mas não para por aí, "Loose" (2006) é a era mais marcante da cantora. Com a produção de Timbaland, ela alcança o topo das paradas e entra pro escalão de divas do pop com faixas recheadas de batidas dançantes, porém tudo isso é momentâneo. O sucesso de "Loose" não se repete em "Mi Plain" (2009), álbum composto só por músicas em espanhol e que apresenta canções românticas, singelas e gostosas de se ouvir. 

Depois de toda as mudanças na discografia e as dificuldades em emplacar novamente nos charts, Furtado resolve, em "The Spirit Indestructible" (2012), reviver a fórmula testada em "Loose" e, assim, reerguer-se no cenário mainstream. Todavia, não foi isso o que aconteceu, e felizmente não aconteceu. 

O quinto álbum de Nelly foi sua estreia como produtora do próprio registro de inéditas. E, embora não tenha voltado para as altas posições nas paradas musicais, conseguiu dar os primeiros passos para novas sonoridades as quais iria testar futuramente. Um revival do que já foi produzido com Timbaland? Não. "The Spirit Indestructible" conseguiu ser autêntico, uma obra que diferencia-se dentro da discografia da cantora e, em certos momentos, soa até exótico (como não amar aqueles vocais anasalados?). É nele que percebemos o despertar do desinteresse de Furtado em voltar a ser considerada como uma grande diva do pop. "The Spirit Indestructible" foi um experimento, com algumas falhas, mas que deu bases para o que estaria por vir.  

Assim, depois de cinco anos, Nelly Furtado retorna renovada, não muito interessada em atender às expectativas de um mercado no qual já se sustentou anteriormente. Dessa vez, a luso-canadense volta-se para um cenário mais independente, flertando com artistas como Blood Orange, uma das muitas influências para o novo trabalho da cantora e produtora. "The Ride" (2017), o novo disco de inéditas de Nelly, é a concretização do que já foi inicialmente experimentado no trabalho antecessor, embora mais consistente, certeiro com a proposta apresentada, mesmo que, ao longo da audição, torna-se morno.  

"Cold Hard Truth", "Flatline", "Carnival Games" e "Live" iniciam o álbum com êxito. Enquanto as duas primeiras caminham por arranjos sintéticos, com baterias robóticas, sintetizadores, refrãos pegajosos e cheias de gás, são as principais responsáveis por aguçar a curiosidade do ouvinte em mergulhar no novo catálogo. "Carnival Games" parece estagnar um pouco o crescimento do disco com seu ritmo mais lento e sua pegada mais orgânica. Já em "Live", Nelly retoma o fôlego e apresenta mais uma gostosa canção pop sintetizada, de melodia fácil e letra repetitiva. 

A partir daí, Nelly oscila entre canções interessantes e mornas. A sonoridade explorada nas duas primeiras canções é deixada de lado e a luso-canadense decepciona para quem esperava mais da pegada eletrônica e experimental das canções disponibilizadas antes do lançamento do álbum. Além disso, "Piper Dreams", melhor faixa do álbum, com toda sua letargia e atmosfera onírica, parece deslocada dentro do catálogo apresentado, o que a faz passar despercebida, já que sua quebra rítmica entre as 11 faixas de nada enriquece o novo trabalho da cantora.  

"The Ride" consegue ser consistente com a proposta testada, porém não é tão atrativo. Faltou mais força, mais elementos que surpreendessem durante os quase quarenta e seis minutos de audição. Algumas faixas empolgam, outras parecem empacar o desenvolvimento do disco e outras, "Piper Dreams, por exemplo, são mal aproveitadas. Mas fica como um registro aceitável para quem esperava há cinco anos por algo novo da Nelly Furtado.

 
Nota: 6
Gravadora: Nelstar
Faixas: 11
Ouça: Spotify


 

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